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Quando falamos de jazz, muitas pessoas associam apenas ao estilo musical. Mas também existe o jazz dança. 

Esse é um estilo que tem raízes essencialmente populares e originadas da cultura negra. Já nasceu como uma dança do povo e não de elite como outras danças, justamente por isso é um gênero de dança amplamente praticado em todo o mundo. 

Quais os diferenciais do jazz dança?

A proposta desse estilo é trazer mais liberdade para o praticante. O Jazz, utiliza técnicas da dança moderna e também do balé clássico, porém  amplia o vocabulário corporal e a  liberdade de expressão do bailarino rompendo com regras rígidas e somando à sua técnica uma grande variedade rítmica, swing, isolamento das partes do corpo e improvisação.

O Jazz dança é um estilo acessível a todas as idades.  Além de ser uma excelente forma do bailarino explorar o próprio corpo, aprendendo as mais diversas formas de expressão, essa dança também ajuda a trabalhar a parte física, principalmente o fortalecimento muscular, flexibilidade, coordenação motora e postura. 

E por conta da proposta mais livre e criativo, onde o praticante tem mais liberdade para escolher e executar os movimentos, o jazz dança passou a integrar até mesmo a educação corporal infantil.

A história do estilo

A cultura do Jazz é considerada um movimento que partiu dos escravos negros africanos que trabalhavam em grandes plantações de tabaco e algodão, e por isso, apresentava diversas  influências e  índoles. 

Por um lado eram apreciados ritmos e bailes africanos,  presentes por anos na consciência coletiva do povo negro, e  por outro, o gênero estava ligado às manifestações religiosas que as diferentes etnias tinham  como celebrar nascimentos, danças para a chuva entre outros rituais. 

Com o passar do tempo alguns fatores contribuíram para promover o crescimento do jazz como um estilo de dança. Entre eles está a saída do gênero da África, que acabou tendo uma grande aceitação pelo povo americano. 

E também, após a  Primeira Guerra Mundial surgiram mobilizações que  geraram  êxodos de músicos e bailarinos de jazz de  cidades industrias com com alta concentração de negros como  Chicago,  Millwakee e  Nova York, que vinham em sua maioria do sul dos EUA, contribuindo para a popularização da cultura e do estilo. 

Foi nesse período que essa dança de origem negra,  passou a se adaptar a outras características e aperfeiçoamentos técnicos.

Em 1931 Katherine Dunham, bailarina, escritora, coreógrafa e antropóloga começou a coreografar 1931 e consequentemente gerar uma grande mudança .

Suas técnicas eram baseadas em movimentos isolados de partes específicas do corpo, e que assim caracterizam o swing do jazz dance. Ela revolucionou o estilo levando ele ao mundo, e criou o modern jazz dance.

O Jazz também começou a aparecer na Broadway, ainda com apresentações esporádicas, em 1883. Contudo, foi apenas depois da estreia de Porgy and Bess (1935), primeira ópera folclórica que foi escrita por George Gershwin (1898-1937) que o ritmo passou a conquistar um lugar ao lado dos brancos e ampliar suas manifestações e suas possibilidades de linguagem .

Foi assim que que vários profissionais que até então atuavam em diversos estilos, passaram a promover musicais na Broadway e se tornaram referências, entre eles: 

• George Balanchine (1904-1983); 
• Agnes de Mille (1905-1993);
• Robert Alton (1906-1957);
• Jack Cole (1911-1974);
• Jerome Robbins (1918-1998);
• Mat Mattox  (1921-2013)

• Gus  Giorgano (1922-2008)

• Bob Fosse (1927-1987)

• Luigi  (1926-2015)

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Porém, a verdadeira época de ouro da Broadway se deu depois dos anos 40, com coreografias de Jack Cole, aluno de Ruth St. Denis (1879-1968), foi considerado o ‘pai do Jazz Dance’.  Um dos primeiros coreógrafos  a interagir fundamentos da Dança Moderna, foi responsável pela fusão do Jazz com outros tipos de rituais e  sua técnica viria a influenciar toda uma geração como Matt Mattox, entre outros. 

Além disso, nessa época nomes como Fred Astaire (1899-1987), Marilyn Miller (1898-1936), Leslie Caron (1931), Bill “Bojangles” Robinson (1878-1949) entre outros também passaram a converter o sapateado de rua para uma versão de “espetáculo elegante”. 

Outro nome que se destacou na época foi  Hanya Holm (1893-1992), que criou trabalhos como  Kiss me Kate (1948) e My Fair Lady (1956). Não podemos deixar de citar também Michael Kidd (1919-2007) , que marcou sua história com West Side Story (1957), e também Bob Fosse (1927-1987), o criador do famoso espetáculo Chicago (1975).

No Brasil

Sabe-se que o Jazz Dance  apareceu no país por influência de aberturas de novelas, programas de televisão, propagandas, programas jornalísticos e seriados. Foi assim que os brasileiros tiveram o primeiro contato com as diversas formas de expressão do Jazz, fazendo dele uma forma de dança muito popular nos anos 80. 

Joyce Kermann (1950-2006) escreveu história do Jazz no Brasil. Bailarina formada na Escola Municipal de Bailado do Theatro Municipal de São Paulo em 1968, mudou-se  para Nova York, na década de 70,onde permaneceu por três anos, ministrando aulas em uma das mais conceituadas escolas do gênero, a Steps on Broadway e sendo aluna de grandes ícones como Jojo Smith e Frank Hatchett.

De volta ao Brasil em 1976 montou o Joyce Ballet, que se tornou um centro disseminador do  jazz dance em São Paulo pelo fato de visar o intercâmbio entre os profissionais americanos e brasileiros. Personalidades do jazz americano como Lennie Dale e Jojo Smith eram constantes na escola. Com a ajuda de Dale,  Joyce montou a primeira companhia de jazz dance do Brasil: Companhia de Dança Joyce Kerrmann. 

Outra grande  contribuição de Lennie Dale foi a criação do Grupo Teatral Dzi Croquettes em 1972, que marcou por sua irreverência e inovação artística.

Não foram poucos os nomes que passaram pelo Joyce Ballet. Entre eles destacam-se Roseli Rodrigues, Mário Nascimento, Maysa Tempesta, Roseli Fioreli, Fernanda Chamma, Rose Calheiros, e outros.

Nas décadas de 80 e 90, o nome de Roseli Rodrigues (1955-2010), fundadora do Grupo Raça e da escola Raça Centro de Artes em São Paulo,se destaca no cenário do Jazz no Brasil.

A coreógrafa misturava técnicas e às adaptava ao padrão de corpo brasileiro composto por características particulares, isso contribuía para que bailarinos inexperientes adquiriam consciência corporal com mais facilidade.As coreografias de Roseli eram a tradução literal do jazz dance: swing, polirritmia, hibridismo, liberdade.

Posteriormente, na fase contemporânea, o estilo passa  a incorporar novas características, criando novos modos de se dançar sem perder suas raízes.

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A Dança Contemporânea é mais uma das modalidades oferecidas pelo Primeiro Ato. Ela é uma das modalidades de dança teatral e foi uma verdadeira divisora de águas.

Ela surgiu por volta das décadas de 50 e 60, graças aos experimentos dos artistas pós-modernos do movimento Judson Dance Theater. Contudo, desde o início do século XX expressões étnicas e culturais já apareciam nas técnicas de nomes famosos como Isadora Duncan.

O que torna a dança contemporânea única? 

Esse estilo ganhou notoriedade e é conhecido até hoje por conta da sua proposta inovadora, que não se baseia em técnicas predefinidas. Além disso, o bailarino tem mais liberdade para explorar o corpo, movimentos e formas de se expressar através da linguagem corporal. 

Justamente por conta dessa proposta mais ampla e libertadora, essa é uma dança indicada para todas as idades, sendo inclusive encarada como uma das artes mais inclusivas. Isso porque, não há limitações corporais dentro do gênero.

Outro diferencial da dança contemporânea que a torna única é o fato dela melhorar a consciência corporal, uma vez que é por meio dos movimentos e coreografias totalmente individuais, que o praticante consegue explorar as novas possibilidades de seu corpo e também de sua mente, através da criatividade.

É justamente por conta dessa proposta que ela se torna mais inclusiva, tirando qualquer barreira no que diz respeito a movimentação. Logo, essa é uma das modalidades que faz jus a frase “Qualquer pessoa pode dançar”, sem distinção. 

Crianças, adultos, idosos, pessoas com deficiência, indivíduos que nunca fizeram qualquer atividade ligada a arte, ela abre portas para a pluralidade, inovação, e autoaceitação. Sobretudo sem contar em todos os seus outros benefícios para o participante, como a possibilidade de socialização, melhoria no condicionamento físico, aumento do foco e atenção e maiores noções sobre musicalidade. 

Acima de tudo, através de uma forma artística, libertadora e criativa. 

A história do estilo

Esse estilo de dança nasceu já com a premissa de romper barreiras, quebrando regras dos gêneros clássicos. Inegavelmente, ela foi encarada como um movimento de libertação e experimentação, onde os artistas descobriam novos horizontes dos próprios corpos. 

Além de Isadora Duncan e Judson Dance Theater, nomes como Rudolf Laban, Merce Cunningham, Mary Wigman, Trisha Brown e Martha Graham também marcaram a história desse gênero. 

Apesar dos especialistas datarem a origem do estilo na década de 50, desde o começo do século XX já era possível ver a presença de elementos teatrais e de comunicação corporal em coregrafias.  

Mas foi justamente com a onda modernista que se iniciou entre os anos 50 e 60 que o estilo começou a ganhar força, se tornando mais popular ainda na década de 80 quando outros movimentos em diversos segmentos artísticos começaram a surgir e se estabelecer. 

Contudo, uma nova maneira de explorar o corpo foi descoberta, alinhada a outras artes. Pois, desde o início, o estilo sempre foi associado a multidisciplinaridade. Inclusive, a música, a fotografia e o vídeo se mesclavam aos novos conceitos de exploração. Afinal, até hoje é possível ver essa interligação, dessa vez com a cultura digital. 

Entre em contato conosco e veja como iniciar suas aulas de dança contemporânea.

No Primeiro Ato, você pode aprender diferentes estilos de dança, entre eles o Ballet Clássico. 

Esse é um gênero que nasceu no fim do século XV. Ele foi criado para celebrar o casamento do Duque de Milão com Isabel de Ararão.

Contudo, foi em 1700 que Pierre Beauchamp começou a construir a base do academismo e que foi responsável por elaborar 5 posições de pés que são aplicadas até os dias de hoje.

Beauchamp é considerado um dos nomes mais importantes, uma vez que ele foi responsável por transformar o ballet em uma das modalidades de dança mais duradouras e praticadas até hoje. 

Um pouco da história do Ballet Clássico

Apesar do estilo ter nascido na Itália, foi na França que ele se desenvolveu de forma acadêmica e técnica. No ano de 1661 foi inaugurada a Academia Real de Dança.

Já em 1713 a Escola de Dança da Ópera abriu as portas.

No começo, o ballet clássico era considerado um estilo com aura nobre. Tanto que ele estava presente no dia a dia de muitos nobres. 

Um fato curioso é que até mesmo o Rei Luiz XIV teve aulas do estilo durante sua infância, chegando a se apresentar para a corte quando tinha 12 anos de idade. A paixão pelo gênero foi tão grande que o monarca criou a Académie de Musique et de Danse.

Por volta de 1830 teve início a fase do balé romântico que ganhou mais força dentro da França e depois se expandiu para a Europa. Nesse período, os espetáculos mostraram grandes histórias românticas.

Os passos, além de complexidade, também carregavam em si emoções profundas que eram transmitidas para a plateia através das bailarinas.

Foi durante essa fase que o gênero ganhou também alguns detalhes que permanecem até hoje, como as sapatilhas de ponta e roupas mais leves que facilitam a fluidez dos movimentos e dão um aspecto quase que angelical para as dançarinas. 

Logo, grandes nomes do ballet começaram a levar a arte para outros lugares do mundo, como a Rússia. Foi então que a versão russa, extremamente técnica e complexa, começou a despontar e se tornar a força que é até hoje. 

Um tipo de dança para todas as idades 

Um dos elementos que faz do Ballet Clássico um dos estilos mais praticados até hoje é que ele pode ser praticado por todas as idades. De crianças a adultos, esse é um gênero de dança que abraça a todos. 

Por meio dos movimentos corporais com alto nível de autocontrole, os praticantes conseguem trabalhar diferentes habilidades, tais como, equilíbrio, coordenação motora, disciplina e a paixão pelo aperfeiçoamento constante. 

Além disso, durante as aulas o aluno também terá melhores noções de musicalidade, consciência corporal, socialização, concentração e memorização. Esse é um gênero que trabalha profundamente o equilíbrio total entre o corpo e a mente.

Por isso, o estilo é considerado excelente, não apenas para crianças e jovens, mas para pessoas que buscam qualidade de vida e bem-estar mental de modo geral. 

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